Аленка 2000

Лебедь-кликун
Водоплавающая птица из семейства утиных. Лебедь-кликун является национальной птицей Финляндии.

Розовая колпица— вид птиц семейства ибисовых

АРАБЕСКОВЫЙ ЗАЛ ЕКАТЕРИНИНСКОГО ДВОРЦА ЦАРСКОГО СЕЛА30 PM
Арабесковый зал - парадный зал Екатерининского дворца, созданный Чарльзом Камероном (1745 Лондон — 1812 Санкт-Петербург, английский-русский архитектор) для императрицы Екатерины II в Большом Царскосельском дворце.
По своему цветовому решению Арабесковый зал самый светлый и наиболее торжественный. В нем преобладает белое — белые стены, белые пилястры с каннелюрами, чуть тронутыми позолотой, белый с золочением фриз и белый мрамор камина.
Работу над проектом этого зала Камерон начал сразу по прибытии в Царское Село и закончил к 1781 году. Полностью новый интерьер был завершен в 1784 году. Но уже в 1783 году Екатерина II начала устраивать приемы в «Арабеск», так она называла эту комнату: 1 мая 1783 г. «знатные российские обоего пола персоны и чужестранные министры» были приглашены в новые покои.
Медальоны украсили одиннадцать живописных вставок, исполненных маслом на холсте «вольным живописного дела мастером» художником Иосифом Кристом (1732-1788). Кстати, после сдачи объекта императрице, потолок дал трещину. Пришлось все снимать, разбирать перекрытия, устранять косяки предыдущих строителей и делать все заново.
20 мая 1783 года в «Арабеске» был устроен бал, где также играли в карты и шахматы.
Сейчас обстановка зала выглядит несколько иначе чем раньше. Но в общих чертах все так как и было...
Арабесковый зал стал первым из воссозданных на половине Екатерины II.
После войны 1941-45 гг. он был в таком состоянии, что руки за все годы советской власти до него так и не дошли...
Арабесковый зал был отреставрирован и открыт в 2010 году.
Основной декоративный мотив его убранства — изящные живописные росписи, арабески, поэтому его назвали Арабесковым. Зал относится к так называемым Пятым апартаментам (личным покоям Екатерины II), в нем "поспорили" две эпохи. Первоначально отделка этого парадного помещения была выполнена по проекту Чарльза Камерона, а в середине XIX века здесь работал Ипполит Монигетти (русский архитектор и акварелист). Отделка этого нарядного интерьера, к середине XIX столетия несколько испорченная новоделами, сохранялась, в целом, почти без изменений.

ЦЕРКОВЬ ВОСКРЕСЕНИЯ ХРИСТОВА ЕКАТЕРИНИНСКОГО ДВОРЦА — домовый православный храм в Екатерининском дворце в городе Пушкине.
После передачи Царской мызы Екатерине Алексеевне, в её дворце была установлена походная церковь святой великомученицы Екатерины, куда 12 [23] марта 1713 года был определён причт (штат священнослужителей и церковнослужителей одного храма). Это был первый царскосельский храм. Походная церковь имела резной иконостас синего цвета с позолотой, иконы которого были написаны на холсте, и престол с дубовой крышкой и символическими изображениями четырёх евангелистов.
Проектом реконструкции Большого Екатерининского дворца середины XVIII века была предусмотрена постройка храма сначала отдельным зданием «между правым флигелем и циркумференцией (низкий дугообразный корпус, примыкающий к главному зданию дворцового комплекса)», но эти планы не реализовались, и церковь решили устроить в особом флигеле. Автором проекта стал архитектор С. И. Чевакинский.
Весной 1746 года начались строительные работы. 30 июля [10 августа] 1756 года храм был освящен в присутствии императрицы. По окончании освящения был дан салют из 51 пушки.
12 [24] мая 1820 года в результате пожара церковь сгорела, погибла большая часть интерьера.
Реставрация храма велась под руководством архитектора В. П. Стасова. Восстановленная церковь была заново освящена 2 [14] апреля 1822 года в присутствии Александра I.
Богослужения в Воскресенской церкви проходили в честь крещения, бракосочетания и заупокойных служб по членам императорской фамилии, а также богослужения в период от Великого Четверга до первого дня Пасхи.
16 [28] июня 1863 года церковь снова пострадала в пожаре, однако утварь и большинство икон удалось спасти. В пожаре пострадали «стасовские» церковные главки, но придворный архитектор А. Ф. Видов вернул им вид, более соответствующий стилю елизаветинского барокко.
Богослужения в храме прекратились в 1917 году, хотя официально церковь была ликвидирована 22 мая 1922 года. Помещение храма выполняло функции музейного пространства. В период оккупации Пушкина немцами в церкви был устроен гараж, а внутреннее убранство было разграблено. Крыша была пробита, а купола изрешечены пулям.
Реставрационные работы во дворце начались только в 1957 году, в храме находился склад уцелевших дворцовой утвари и архитектурных деталей. В 1963 году были восстановлены купола, однако сам храм не был отреставрирован полностью.
С 1993 года в церкви крайне редко проходят молебны, формально храм был приписан к приходу Софийского собора Санкт-Петербургской епархии Русской православной церкви.
Летом 2015 года музеем был объявлен конкурс на проведение реставрационных работ. Реставрация храма проводилась в соответствии с Венецианской хартией и закончена к апрелю 2019 года. 12 апреля 2019 года благочинным Царскосельского округа протоиереем Никитой Зверевым вместе с духовенством храмов города был отслужен благодарственный молебен. С 13 апреля 2019 года храм и прилегающие залы включены в отдельный экскурсионный маршрут.
В 2020 году проект консервации и реставрации интерьера церкви Воскресения Христова в Екатерининском дворце, представленный на третий международный архитектурно-дизайнерский конкурс «Золотой Трезини», признан лучшим реализованным проектом реставрации и реконструкции в числе 29 участников в этой номинации..

ЯНТАРНАЯ КОМНАТА
История создания Янтарной комнаты
Король Пруссии Фридрих III после восхождения на престол решил выполнить каприз своей супруги Шарлотты-Софии, перестроив небольшой летний дворец в Литценбурге. Королева хотела добавить какого-то великолепия в интерьер, одну из комнат сделать особенно необычной.
Для этого был приглашен архитектор Иоганн Фридрих Эозандер. В помощь ему из Копенгагена приехал резчик по янтарю и слоновой кости Готфрид Вольфрам. Когда королева умерла, работы по созданию янтарных панно остановились. Они так и не были установлены во дворце Литценбурга.
Новый король Фридрих Вильгельм I сделанные уже панно разместил в одном из кабинетов Берлинского королевского замка. В 1716 году по пути во Францию Петр I заехал в Габельберге (недалеко от Берлина) и увиделся с Фридрихом Вильгельмом I. Император Всероссийский был очарован полотнами. И прусский монарх отдал ему в качестве дипломатического подарка янтарный кабинет и яхту "Либурника" по случаю заключения русско-прусского союза. В благодарность русский император подарил Пруссии токарный станок, кубок, созданный своими руками и 55 великанов-гренадёров.
Янтарные панно доставили в Петербург в 18 ящиках. Там их принял губернатор Александр Меншиков. Однако в коллекции не хватало нескольких деталей, и янтарный кабинет при Петре I так и не был установлен.
В 1743 году императрица Елизавета Петровна вспомнила о янтарных панно, которые хранились в Летнем дворце. Она велела архитектору Бартоломео Растрелли установить их в строящемся Третьем Зимнем дворце. Ремонтом панелей, от которых уже кое-где откололись фрагменты, занимался итальянец А. Мартелли. Весь декор каморы состоял из панно, оформленных в технике мозаики.
Растрелли разместил панно симметрично, посредине стен, разделил их пилястрами с зеркалами, а оставшиеся пустоты замостил холстами художника И. Бельского. Роспись на картинах имитировала янтарь.
В 1745 году прусский король Фридрих II хотел расположить к себе Елизавету Петровну, поэтому подарил ей еще одну янтарную панель, рисунок которой прославлял императрицу. Общий вес янтаря комнаты составил почти 2 тонны.
В июле 1755 года янтарный интерьер переехал в Большой Царскосельский дворец ― Третий Зимний дворце (Екатерининский дворец).
По приказу императрицы Елизаветы, в июле 1755 года, начался монтаж новой, более просторной комнаты из янтаря в Большом Царскосельском дворце. Для этих работ лона пригласила итальянского архитектора Растрелли.
Растрелли разместил панно симметрично, посредине стен, разделил их пилястрами с зеркалами, а оставшиеся пустоты замостил холстами художника И. Бельского. Роспись на картинах имитировала янтарь.
В 1763―1770 годы холсты в нижнем ярусе заменили на панели из янтаря. Янтарная комната служила залом для официальных приемов в Третьем Зимнем дворце.
В 1770 году Екатерина II решила добавить в Янтарную комнату несколько деталей. Холсты в нижнем ярусе заменили на панели из янтаря. Изготовили восемь плоских панелей нижнего яруса, восемь филенок под пилястры, десюдепорт для дверей, детали карниза и множество других звеньев. Тогда комната приобрела свой окончательный вид. На такие изменения ушло около 450 килограммов янтаря.
В итоге Янтарное убранство располагалось в 3 яруса на 3-х стенах. Центральная часть состояла из 8 крупных вертикальных панно, разделенных зеркалами. На 4-х панно, с использованием драгоценных камней, были выполнены картины, изображавшие 5 основных чувств: «Зрение», «Слух», «Вкус», «Осязание» и «Обоняние». Внизу комнаты располагались прямоугольные панно, на северо-востоке комнаты ― янтарный столик на фигурной ножке. Интерьер дополнялся янтарными сувенирами в застеклённых шкафчиках, китайским фарфором, комодами работы русских мастеров. Все великолепие освещалось сотнями свечей.
На декор из янтаря температурные перепады, сквозняки и отопление действовали губительно. Комнату с 1833 по 1935 года ремонтировали четырежды. Очередной ремонт был назначен на 1941 год.
Во время Великой Отечественной войны немецкие захватчики похитили Янтарную комнату и отправили в Кенигсберг (Калининград). Там она не один год являлась частью экспозиции зала Кенигсбергского музея.
6 апреля 1945 года в ходе отступления немецких войск янтарные панели демонтировали и вывезли из города в неизвестном направлении. Существует большое количество версий о том, где находятся уникальные панно, но до сих пор это остается загадкой.
Решение восстановить Янтарную комнату приняли в СССР в 1979 году. На полное воссоздание шедевра ушло 24 года. Для возрождения зала была специально создана Царскосельская янтарная мастерская, где трудились лучшие искусствоведы, химики, историки и реставраторы нашей страны. Интерьеры музея открыли в 2003 году — к 300-летнему юбилею Санкт-Петербурга.
Янтарная комната была в высоту 7,8 метра, ее площадь составляла 100 квадратных метров. При восстановлении шедевра, чтобы сделать облицовку трех стен, понадобилось 6 тонн янтаря из Калининградского месторождения. Самый большой самородок весом в 1 килограмм купили у столичного коллекционера за 1 тысячу долларов.
Янтарный кабинет — это единственный интерьер, который оформлен при помощи этого уникального минерала, который имеет такие поэтические названия, как «слезы моря» и «дар солнца».
Янтарную комнату часто называют «восьмым чудом света». Она являлась и является является жемчужиной Екатерининского дворца и одним из самых известных интерьеров, созданных в XVIII веке.
Ничего подобного вы не найдете ни в одной стране мира. Именно поэтому взглянуть на шедевр, созданный из тонн балтийского «золота», в Царское Село (г. Пушкин) ежегодно приезжают миллионы туристов.

Парадная опочивальня Гатчинского дворца
Парадная опочивальня императрицы Марии Федоровны (жены Павла I) относится к самым совершенным творениям итальянского архитектора Винченцо Бренны (1747 – 1820). Подобные представительские апартаменты, в восемнадцатом столетии располагавшиеся на пути обязательного следования гостей, не только подчеркивали социальный статус хозяев, но и возвеличивали обыденные стороны жизни.
Гармоничное сочетание всех элементов отделки, их утонченность, превосходные живописные и скульптурные вставки, а также позолота, изысканно введенная в гипсовую лепнину и резной декор — все это делало зал «прелестной и лучшей комнатой дворца».
Интерьер зала представляет двухчастную композицию, состоящую из центрального объема и алькова. На стенах архитектор разместил пилястры искусственного мрамора, которые расписал Франц Лабенский (русский искусствовед и художник польского происхождения). Такую живопись принято называть гротеском. Художник, не придерживаясь никаких правил, мог изображать все, что подскажет безудержная фантазия, красота природы или капризный ум.
В простенках между пилястрами были вставлены в рамы панно голубого лионского шелка, затканного серебряной нитью. В конце ХIX века ткань заменили на новую, выполненную на мануфактуре братьев Сапожниковых по историческому рисунку.
Зеркала, размещенные друг напротив друга, создавали иллюзию бесконечно расширяющегося пространства; скульптурные рельефные композиции, лепнина плафона восхищали своим рисунком. Фигурная балюстрада, подчеркивая неприкосновенность ложа монарха, отделяла резную золоченую кровать от основного зала. Специально для Парадной опочивальни и в полном соответствии с общим колористическим замыслом, французский художник Габриэль Дуайен написал плафон, изобразив сюжет из древнегреческой мифологии («Свадьба Психеи»).
В годы второй мировой войны уникальный интерьер был почти полностью уничтожен. Реставраторам пришлось воссоздавать художественное убранство заново: большинство скульптурных элементов декора выполнила знаменитая лепщица Л. А. Стрижева; на основании иконографических материалов был воссоздан плафон художником Ю.Ф. Шитовым; ткань для балдахина изготовили в Лионе на бывшей мануфактуре К. Пернона по историческому образцу конца ХVIII века.
За Парадной опочивальней следуют пять «личных» комнат императрицы Марии Федоровны: они начинаются Овальным будуаром, из которого одна дверь ведет в кабинет, расположенный в башне, другая — в Туалетную, откуда через маленькую проходную можно попасть в Зеленую угловую. После проведенной реставрации апартаменты выглядят очень нарядно, хотя здесь все еще недостает той теплоты уютного дома, что существовала в бытность супруги Павла I: нет экзотических растений, восхищавших современников (государыня любила цветы и была прекрасным ботаником), отсутствуют мебель, бронза и те милые, памятные сердцу вещицы, что придают подобным камерным интерьерам особое очарование, делая их «живыми».
Все эти помещения отличаются от остальных парадных залов своими небольшими размерами и характером декора, элементы которого отмечены прекрасным художественным вкусом итальянского архитектора Антонио Ринальди, построившим многие залы Гатчинского дворца.

Парадная лестница Екатерининского дворца в Царском Селе

Цвингер
Архитектурный комплекс дворцовых зданий в Дрездене, столице Саксонии. Построен в стиле южногерманского барокко. Расположен в северо-западной части «Внутреннего старого города». Цвингер - средневековый фортификационный термин, означающий пространство между бастионами, сходящимися под острым углом. Иной вариант: узкое пространство между внешней и внутренней крепостными стенами типа древнегреческих дипилонских ворот. Попадая в такое пространство, враг оказывался зажатым в ловушке под перекрёстным огнём бастионов.

Королевский Сент-Джеймс парк в Вестминстере, начинающий «зелёный пояс» в центре Лондона, который тянется отсюда на запад через Грин-парк и Гайд-парк к Кенсингтонским садам. С севера на парк выходит дворец Сент-Джеймс, с запада — Букингемский дворец, с востока — Министерство иностранных дел.
Сент-Джеймс парк считается старейшим в Лондоне. Как и близлежащий дворец, он наречён в память о когда-то стоявшей здесь богадельне во имя св. Иакова Младшего (Джеймса).

Парковый павильон Эрмитаж в стиле барокко в Екатерининском парке в Царском селе
Павильон служил для увеселительных собраний узкого кружка придворных.

Парадная лестница Юсуповского дворца. Санкт-Петербург

3211796 Зеленая гостиная Юсуповского дворца (Санкт-Петербург)

Большой дворец в Петергофе
Основное здание дворцово-паркового ансамбля «Петергоф», расположенного в одноимённом городе на южном берегу Финского залива в Петродворцовом районе города федерального значения Санкт-Петербурга. Был практически полностью разрушен во время Второй мировой войны, в 1952 году восстановлен.

Георгиевский зал Зимнего дворца

Сосна Горная бонсай ниваки

Илен Мейер Картина в стиле сюр-фэнтези

Это картина Федота Васильевича Сычкова (1870 – 1958) ― самобытного мордовского живописца, творившего в первой половине 20 века. Его имя вошло в историю живописи к разряду "Забытых имен". Однако в свое время образы его русских девушек были очень популярны не только в России, а и за ее пределами. Так в 1910-е годы картины живописца имели небывалый успех в парижском Салоне, где их охотно раскупали любители живописи, проявляющие искренний интерес к русской деревенской жизни.
Ф.В. Сычков прожил долгую и плодотворную жизнь, написал около шестисот картин и свыше тысячи этюдов. Главной тематикой творчества живописца была деревенская жизнь, сельские праздники, народные гулянья, зимние забавы молодежи. Художник создал в своих произведениях яркие, запоминающиеся народные образы, наполненные здоровьем и жизнерадостностью они утверждают духовную красоту человека, его право на счастье.
Огромное наследие мастера разошлось по всей стране и за рубеж. Его работы хранятся во многих музеях и частных коллекциях мира. А в начале ХХ века были очень популярны красочные открытки, выпущенные издательством Ришар, являющиеся на сегодняшний день раритетом.

ЗАЛЫ И ГАЛЕРЕИ ЗИМНЕГО ДВОРЦА В АКВАРЕЛЯХ ЭДУАРДА ГАУ
Одним из ярких представителей интерьерной живописи в Российской империи был Эдуард Петрович Гау (здесь есть некое расхождение: отца художника звали Иоганн, но по какой-то причине Эдуард Гау взял себе другое отчество).
Эдуард Гау родился в 1807 году в Ревеле (Таллинн) в семье «ландшафтного художника» и декоратора Иоганна Гау. С раннего детства занимался живописью, а с 1830 по 1832 год учился в дрезденской Академии художеств. В 1838 году ему было присвоено звание неклассного художника Санкт-Петербургской Императорской Академии художеств, а в1854 году он стал академиком перспективной акварельной живописи и был утвержден в чине титулярного советника. В 1860 году ему был пожалован орден св. Станислава третьей степени.
Став признанным мастером портретной живописи (как и его младший брат Вольдемар), Эдуард Гау начал все больше увлекаться перспективой, и это направление впоследствии принесло ему признание.
По приезду в Россию он уже был признанным мастером перспективной живописи, или перспективистом, как часто называли художников этого направления. Главная задача перспективиста - «фиксация архитектуры в пейзажах и интерьерах зданий».
Эдуард Гау стремился довести до совершенства передачу пространства и долго выбирал точку, дающую такую возможность. Он изучал планы и чертежи, делал карандашные зарисовки перспективы. Заранее тщательно зарисовывал предметы интерьера. Готовый карандашный рисунок мастер переносил на чистый лист и начинал работать с цветом.
Гай использовал технику отмывки. Он многократно покрывал лист тонким слоем акварели, усиливая тональность. Для придания предметам объема пользовался белилами и четко прорисовывал контуры.
В завершение работы Гау использовал подслащённую воду и яичный желток. Они делали тон более глубоким и закрепляли поверхность, имитируя лак.
Высочайший профессионализм и постоянное совершенствование техники работ мастера удостоились внимания императора Николая I.
Вот что пишет сам Эдуард Гау: «…в 1838 году признан от Академии художником по живописи портретной масляными красками. С того времени занятия мои преимущественно состояли по части перспективной акварельной живописи, которые удостаивались всемилостивейшего внимания государя императора и всей императорской фамилии».
Эдуард Гау получил известность как автор интерьеров дворцов и известных зданий Москвы, Санкт-Петербурга и его пригородов, написанных по заказу императорской семьи: Большого Кремлевского дворца, Николаевского дворца, Зимнего дворца и Эрмитажа, Большого Гатчинского дворца.
В декабре 1860 года император Александр II распорядился, чтобы Гау и два других выдающихся живописца Луиджи Премацци и Константин Ухтомский приступили к выполнению акварелей с видами интерьеров Зимнего дворца. К тому времени на их счету уже была серия из 50 работ с видами Нового Эрмитажа.
Гау зарисовал несколько парадных залов, но в основном специализировался на изображении жилых комнат.
В процессе работы над акварелями в 1863 году Эдуард Петрович обратился к министру императорского двора В.Ф. Адлербергу с просьбой о пожаловании ему звания придворного живописца и назначении по истечении 25 лет службы пенсии. К тому времени он работал по заказам императора уже 23 года. Однако в этой просьбе ему было отказано.

ПОРТРЕТЫ ИНТЕРЬЕРОВ
У аристократов XIX века не было фотоаппаратов, смартфонов, а красивые ремонты с помощью именитых архитекторов они делали.
И чтобы эту красоту увидели другие приходилось "бедным" аристократам и даже государю-императору приглашать художников-акварелистов. И не простых, а таких, которые специализируются на изображении интерьеров. Так возник жанр «интерьерной живописи».
Художникам заказывали целые альбомы, которые потом показывали гостям, любовались сами и оставляли потомкам. Иногда такой альбом становился свадебным подарком подросшим детишкам, чтобы они не забывали отчие хоромы.
Наиболее популярным жанр интерьерной живописи был в XIX веке. Называли такие работы «портретами интерьеров».
Ценность акварельных интерьеров этого периода в том, что они представляют собой настоящие исторические документы, которые показывают нам картинки прошлых дней с фотографической точностью. Причем с точностью современного зеркального фотоаппарата с панорамным объективом.
Возникает вопрос: ведь с середины XIX века уже существовало искусство фотографии. Зачем же они заказывали акварели?
А вот затем, что маленькая сепия, отражающая только фрагмент комнаты – это было совсем не то, что заказчик хотел получить. А хотел заказчик все и сразу: чтобы и цвет, и детали, и потолок, и вся комната. И вон тот фикус в горшке.
Далеко не каждый художник обладал уровнем мастерства, необходимым для точного изображения интерьера. Ведь нужно было не только виртуозно владеть техникой акварели, уметь тщательно выписать все детали, сделать их точными и многомерными, но и обладать мастерством построения перспективы с двумя или даже тремя точками схода, чтобы оптическая визуализация реальности была абсолютно точной. Для этого художники зачастую использовали обмерные чертежи залов, а чтобы охватить как можно больший объем помещения, перспективу строили издали, как бы выходя за пределы комнаты. Таких художников часто называли перспективистами.
Разумеется, услуги художников-акварелистов были доступны только самым высшим кругам общества – венценосным особам и элите аристократии.
Очень любила заказывать альбомы с интерьерами своих дворцов английская королева Виктория, которая часто рассматривала их вместе с мужем, а потом и после его смерти, ностальгируя по прошедшим годам.
Для британских монархов работали Уильям Генри Пайн, Чарльз Уальд, Джозеф Нэш, Луи Хаге, Джеймс Робертс.
Но если рассматривать интерьеры королевы Виктории и их изображения художниками, то они не идут ни в какое сравнение с нашими Российскими интерьерами аристократии. Английские интерьеры ― "серенькие", безэмоциональны и не дают ощущения чувства великой красоты. А может быть наши художники талантливее?
Примеру Англии следовала вся Европа и, конечно же, Россия.
Николай I, Александр II и Александр III заказывали сотни акварелей своих любимых резиденций – Зимнего дворца, Петергофа, Царского села, Гатчины, Павловска и других. Сегодня акварели русских императорских дворцов считаются одними из лучших в мире.
Для царской семьи работали художники Эдуард Петрович Гау, Луиджи Премацци, Василий Семенович Садовников, Константин Андреевич Ухтомский, Иосиф Иосифович Шарлемань.
Примеру императора следовала высшая знать. Например, известен альбом с акварелями дачи княгини Зинаиды Ивановны Юсуповой в Царском селе, выполненный Василием Семеновичем Садовниковым.
Интерьеры дворца Юсуповых на Мойке оживают в акварелях того же Садовникова и его коллеги чуть более позднего периода – Андрея Алексеевича Редковского.
Известный петербургский финансист и меценат барон Александр Людвигович Штиглиц заказывал акварели своего особняка Луиджи Премацци, который преподавал в созданном бароном Училище технического рисования.
В начале ХХ века увлечение интерьерной живописью начало угасать. Среди работ этого периода можно отметить акварели дома московского генерал-губернатора во время пребывания в этой должности великого князя Сергея Александровича, выполненные Игнатием Игнатьевичем Нивинским.
Для нашей страны это увлечение аристократии XIX века, которое порой казалось странным, легкомысленным и не соответствовало понятиям высокого искусства – зачастую единственный способ узнать, как выглядели внутреннее убранство тех или иных исторических зданий, а для реставраторов это поистине бесценные документы.

Урагус. Певчая птица семейства вьюрковых

Серая неясыть (серая сова)

Обыкновенный поползень

Это три тетерева

Сойка

Сине-жёлтые Ара

Свиристель — певчая птица отряда воробьинообразных семейства свиристелевых.
Песня свиристеля — журчащая трель «сви-ри-ри-ри-ри», похожая на звучание свирели.

Хохлатый жаворонок

Малая Конюшенная улица, Санкт-Петербург.
Улица в Центральном районе Санкт-Петербурга. Проходит от Шведского переулка до Невского проспекта.

Дом Джона Траволты

Щотландия Замок Скибо внутри

Птица на картинке - чибис.

Великолепно! Феникс перерождается.

На картине акварелью иллюстрация к стихотворению Саши Жур
СКВОРЦЫ

Слышен в хате шум запечный,
Бабка моет изразцы.
Во дворе в пустой скворечник
Заселяются скворцы.
Шум стоит на всю округу,
Даже петька дворовой
Кукарекнул с перепугу,
Как заправский часовой.
Бросив лаяться, собаки
Позадрали вверх носы,
А скворцы, певцы во фраках,
Голосят на все гласы.
Расчирикались пичуги,
Притаились червячки,
И летят над хатой звуки,
Будто свищут ямщики.
Солнце манит изобилием,
Ах, пичужка, ведь смогла
Принести весну на крыльях!..
А бабка хлебы испекла.

На картинке Малая выпь, или волчок — птица семейства цаплевых, самая мелкая цапля. Рост малой выпи достигает всего 33-38 см. Вес 100—150 г, размах крыльев 50-58см.

Синий павлин, или индийский павлин (pavo cristatus)

Колибри

Непал Катманду Площадь Дурбар

№ 1
Иван Константинович Айвазовский «Девятый вал».
Картина написана в 1850 году.
Живописец изображает море после очень сильного ночного шторма и людей, потерпевших кораблекрушение. Лучи солнца освещают громадные волны. Самая большая из них — девятый вал — готова обрушиться на людей, пытающихся спастись на обломках мачты.
Несмотря на то, что корабль разрушен, и осталась только мачта, люди на ней живы и продолжают бороться со стихией.
В настоящее время картина хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге. Размер картины 221 × 332 см
№ 2
Владимир Лукич Боровиковский «Портрет Марии Лопухиной».
Картина написана в 1797 году.
Художнику было 40 лет, а Марии только 18.
Со временем имя художника стало ассоциироваться именно с этой его работой, называемой иногда «русской Моной Лизой».
На этой картине Боровиковскому позировала дочь отставного генерала Ивана Толстого графиня Мария Ивановна Лопухина. Мария происходит из дворянского рода, она старший ребенок в семье (еще было четыре сестры и два брата). Мария Лопухина, кстати, состоит в отдаленном родстве со Львом Толстым – знаменитый писатель приходится ей двоюродным племянником.
В настоящее время портрет входит в коллекцию живописи Государственной Третьяковской галереи. Размер картины 73,5 × 59 см.
№ 3
Карл Брюллов «Последний день Помпеи».
Карл Брюллов побывал на раскопках в Помпеях летом 1827 года во время своей поездки в Неаполь, там же ему и пришла мысль написать большое полотно, посвящённое гибели Помпеев. Заказчиком полотна стал Анатолий Демидов (русский и французский меценат, действительный статский советник, дипломат, с 1840 г. князь Сан-Донато. Представитель рода Демидовых, младший сын Николая Никитича Демидова от его брака с Елизаветой Александровной Строгановой).
Работа над картиной длилась шесть лет и была завершена в 1833 году.
На картине изображены события в Помпеях во время катастрофического извержения Везувия, которое произошло в 79 году нашей эры.
В настоящее время картина хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге. Размер картины 456.5 × 651 см.
№ 4
Картина русского художника-живописца Виктора Михайловича Васнецова «Богатыри»
Художник работал над картиной около двадцати лет, с 1881 по 1898 год. 23 апреля 1898 года картина была завершена и вскоре куплена коллекционером П. М. Третьяковым для своей галереи.
На картине изображены три богатыря — Добрыня Никитич, Илья Муромец и Алёша Попович (главные герои русских былин).
В настоящее время картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве. Размер картины 295,3 × 446 см
№ 5
Картина русского художника Николая Николаевича Ге «Пётр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе».
Работа над картиной была завершена в 1871 году. психологическую трактовку исторической драмы, действие которой происходит в 1718 году. На полотне в интерьере петергофского дворца Монплезир изображены Пётр I и его сын Алексей Петрович, который был обвинён в подготовке захвата власти. Прежде чем вынести приговор, Пётр I всматривается в лицо сына, всё ещё надеясь увидеть на нём признаки раскаяния. Картина была написана Ге к 1-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок («передвижников»), открытие которой состоялось в Санкт-Петербурге в ноябре 1871 года. Актуальность выбранной художником темы была связана с приближавшимся в то время 200-летним юбилеем Петра I (1672—1725). Ещё до выставки полотно было куплено у автора Павлом Третьяковым
В настоящее время картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 135.7 × 173 см.
Николай Ге написал несколько авторских повторений картины, одно из которых было приобретено Александром II — в настоящее время оно принадлежит коллекции Государственного Русского музея
№ 6
Картина Алексея Гавриловича Венецианова «Спящий пастушок».
Картина написана в 1823–1826 годах.
На картине изображён крестьянский мальчик, уснувший в поле. Он сидит на берегу узкой речки, прислонившись к стволу большой старой берёзы. За ним на дальнем плане картины открывается типичный русский пейзаж с покосившейся избушкой, редкими ёлочками и бескрайними, до самого горизонта, полями.
Картина проникнута чувством умиротворённости и покоя, лирической любовью к природе и человеку. Главная тема картины — гармоничное слияние человека с природой.
«Спящий пастушок» Венецианова является не только одной из самых прекрасных и поэтических картин русской школы живописи, но и значительной вехой на пути становления и формирования реалистического искусства в России.
В настоящее время картина хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.
Размер картины 27,5x36,5 см.
№ 7
Александр Андреевич Ива́нов «Явление Христа народу».
Гигантская по размерам картина, написанная в 1837-1857 годах.
Сюжет полотна связан с событием, описанным в первой главе Евангелия от Иоанна, - явлением Иисуса Христа во время крещения людей у реки Иордан. В центре композиции находится фигура Иоанна Крестителя, указывающего на приближающегося Христа. Называя этот сюжет «всемирным», в полотне Иванов стремился показать человечество «в решающий, определяющий его судьбу момент». Содержание картины раскрывается не через образ Христа, а через реакцию людей на его появление.
В настоящее время картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 540 × 750 см.
№ 8
Картина русского живописца Ореста Кипренского «Портрет А. С. Пушкина»
Картина написана в 1827 году.
Картина является хрестоматийным шедевром романтического портрета первой трети XIX века, наряду с написанным в том же году полотном Василия Тропинина - одно из самых известных и популярных изображений классика русской словесности.
В настоящее время картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 63 × 54 см.
.
№ 9
Алексей Иванович Корзухин «Девичник».
Картина написана в 1889 году.
Корзухин — русский жанровый живописец, участник «бунта четырнадцати», один из учредителей Санкт-Петербургской Артели художников и Товарищества передвижных художественных выставок («передвижников»).
Бунт четырнадцати — состоявшийся 9 (21) ноября 1863 года скандальный отказ четырнадцати лучших выпускников Императорской Академии художеств, возглавляемых И. Н. Крамским, от участия в конкурсе на большую золотую медаль, проводившемся к 100-летию Академии художеств. Последовавший за этим выход художников из Академии стал первым демонстративным выступлением приверженцев зарождающейся национальной школы реалистической живописи против классического, академического направления в изобразительном искусстве XIX века
Знаток народного быта и культуры, А. Корзухин в своей картине «Девичник» отобразил важное для любой девушки событие – проводы невесты перед свадьбой. В центре картины художник изобразил молодую девушку в окружении свахи и ее помощниц. Она только что вышла из бани, и стоит посреди двора, одетая в нательную рубаху и полушубок, повязав на голову легкую косынку. На свахе – богатый наряд и праздничный головной убор — бабья кика. В руках она держит медный таз и кочергу – чтоб сытны и хлебосольны были застолья в доме у будущей хозяйки. Свой предмет держит и каждая из свахиных помощниц. Вот перед невестой одна из них старательно машет метелкой, расчищая семейную дорогу от всяческих преград. В это же время другая в стороне несет ведро с коромыслом – чтобы крепко держались супруги друг за друга и никакая вода меж ними не вставала. Две оставшиеся девушки, танцуя и гремя домашней утварью, отпугивают от молодой невесты злых духов.
Здесь же, в правой части картины, художник изображает пир, собиравший всех замужних женщин со стороны невесты и жениха. Надев свои лучшие наряды, будущие родственницы угощаются пирогами да медовухой, следят за соблюдением ритуала и, конечно, обсуждают невесту и придаются воспоминаниям о своих, уже прошедших девичниках.
Дальний план картины открывает саму баню. На ее крыльце, завороженная праздничным действом, задержалась молодая девушка. Скоро и ей самой предстоит оказаться в центре этого обряда.
В настоящее время картина хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.
Размер картины 94 х 153 см.
№ 10
Картина русского художника Ивана Николаевича Крамского «Неизвестная».
Картина написана в 1883 году.
«Неизвестная» до сих пор остаётся загадкой художника. Ни в письмах, ни в дневниках он не оставил упоминаний о личности неизвестной.
Портрет часто ошибочно называют «Незнакомка» из-за одноименного стихотворения Александра Блока.
На полотне изображена молодая женщина, проезжающая в открытом экипаже по Невскому проспекту у павильонов Аничкова дворца. Справа за её спиной виднеется Александринский театр. Она одета по последней моде 1880-х годов. На ней бархатная шляпка с перьями, украшенное мехом и лентами пальто, муфта и тонкие кожаные перчатки. Взгляд царственный, таинственный и немного грустный.
В настоящее время картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 75,5×99 см.

№ 11
Картина русского художника Бориса Михайловича Кустодиева «Купчиха за чаем».
Картина написана в 1918 году.
На картине изображена купчиха, сидящая за чаем на террасе своего особняка на фоне провинциального городского пейзажа. В этой работе Кустодиев воплотил свой давний замысел о создании картины на тему купеческого чаепития, с женщиной — главной героиней полотна. Моделью для неё Кустодиеву послужила реальная женщина, но не купчиха, а баронесса Галина Адеркас, наследница дворянского рода из Астрахани, родины Кустодиева. Баронесса обладала пышными формами и была вполне в художественном вкусе Кустодиева, признававшегося, что «худые женщины на творчество не вдохновляют».
В настоящее время картина находится в собрании Государственного Русского музея в Санкт-Петербурге
Размер картины 120 × 120 см
№ 12
Пейзаж русского художника Исаака Левитана «Март»
Исаак Левитан так и не получил законченного художественного образования, однако его полотна участвовали в экспозициях передвижников. Он известен как основоположник пейзажа настроения. Он любил писать природу центральной России, а особенно — Тверскую губернию. Летом 1894 года он познакомился с Анной Турчаниновой — женой сенатора, которому принадлежала усадьба Горка. Между ними начался роман, и вскоре художник переехал к Турчаниновым. Специально для Левитана построили двухэтажный дом на берегу озера. Там он жил и работал над своими пейзажами с августа по сентябрь 1894 года.
Считается, что именно любовное увлечение вдохновило художника на работу «Март».
Картина была написана Левитаном в марте 1895 года, когда он жил в усадьбе Горка, находившейся в Вышневолоцком уезде Тверской губернии.
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 60 × 75 см.
№ 13
Константин Егорович Маковский «Дети, бегущие от грозы».
Картина написана в 1872 году.
«Дети, бегущие от грозы» — одно из наиболее известных жанровых произведений Константина Маковского. Картина была исполнена в передвижнический период творчества художника.
На переднем плане произведения крупным планом изображена босоногая девочка в простом деревенском сарафане, в бусах, несущая на спине своего младшего брата. Надвигающаяся гроза застала детей в лесу во время сбора грибов, о чём свидетельствует наполненный фартук. Испугавшись непогоды, старшая сестра, взволнованно вглядываясь в потемневшее небо, пытается как можно быстрее добежать до дома.
Картина «Дети, бегущие от грозы» во многом предвосхитила «сказочные жанры» Виктора Васнецова. Изображённая сцена вызывает ассоциации с русскими народными сказками «Сестрица Алёнушка и братец Иванушка», «Гуси-лебеди».
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 167×102 см.
№ 14
Картина русского художника Михаила Васильевича Нестерова «Видение отроку Варфоломею», первая и самая значительная работа из цикла, посвящённого Сергию Радонежскому.
Картина написана в 1889-1890 году.
Картина написана Нестеровым в Уфе на сюжет, взятый из «Жития преподобного Сергия»:
Однажды отец послал Варфоломея за лошадьми в поле. По дороге он встретил посланного Богом Ангела в иноческом образе: стоял старец под дубом среди поля и совершал молитву. Варфоломей приблизился к нему и, преклонившись, стал ждать окончания молитвы старца. Тот благословил отрока, поцеловал и спросил, чего он желает. Варфоломей ответил: «Всей душой я желаю научиться грамоте, Отче святой, помолись за меня Богу, чтобы Он помог мне познать грамоту». Инок исполнил просьбу Варфоломея, вознес свою молитву к Богу и, благословляя отрока, сказал ему: «Отныне Бог дает тебе, дитя мое, уразуметь грамоту, ты превзойдешь своих братьев и сверстников». При этом старец достал сосуд и дал Варфоломею частицу просфоры: «Возьми, чадо, и съешь, — сказал он. — Это дается тебе в знамение благодати Божией и для разумения Святого Писания».
Образ Сергия Радонежского, близкий и дорогой художнику с самого детства, был для него воплощением нравственного идеала:
Святых Сергия Радонежского и Тихона Задонского, Нестеров любил с детства; оба святые были особо почитаемы в его семье.
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 167×102 см.
№ 15
Картина русского художника-передвижника Василия Григорьевича Перова «Охотники на привале»
Картина написана в 1871 году.
На картине изображены три охотника, которые ведут между собой разговор. Главной чертой картины являются психологические портреты героев: один из них (слева) — пожилой, опытный охотник, видимо, из оскудевших дворян с увлечением и страстью рассказывающий о своих охотничьих «подвигах», второй (на втором плане) — средних лет, в русской крестьянской одежде, недоверчиво и с ухмылкой слушающий охотничьи байки своего собеседника, третий же (справа) — одетый «с иголочки» доверчивый молодой новичок, с трепетом выслушивающий россказни первого охотника, настолько заморочившими его, что он даже забывает зажечь папиросу в правой руке заготовленным в левой огоньком.
Вся эта сцена происходит на фоне довольно мрачного осеннего пейзажа, что вносит тревожный оттенок в её комическое содержание.
Любопытно также и сочетание в картине и жанровой бытовой картины, и пейзажа, и натюрморта из охотничьих вещей и дичи.
Перов был страстным охотником. Именно поэтому тема охоты была ему хорошо знакома. Ещё до «Охотников…» Перов в 1870 году пишет картину «Птицелов», за которую получает звание профессора, а также место преподавателя в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В течение 70-х годов художник также создает ещё несколько картин, посвященных «охотничьей тематике»: «Рыболов» (1871), «Ботаник» (1874), «Голубятник» (1874), «Рыбная ловля» (1878).
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 119 × 183 см
№ 16
Пейзаж русского художника Василия Поленова «Московский дворик».
Картина окончена в 1878 году.
На картине изображён двор дома, расположенного на пересечении Дурновского и Трубниковского переулков, во флигеле которого Поленов снимал квартиру в 1877—1878 годах. За двориком и прилегающими к нему строениями находится храм Спаса Преображения на Песках, а в правой части полотна видны очертания церкви Николая Чудотворца в Плотниках[ В произведении органично сочетаются пейзажные и жанровые мотивы.
Это произведение Поленова «было новым словом в русской пейзажной живописи и сыграло в ней большую роль», оно вошло в число «жемчужин русской школы живописи» и стало «этапным произведением в истории русского пейзажа».
Вместе с двумя другими произведениями Поленова конца 1870-х годов - картинами «Бабушкин сад» и «Заросший пруд» - полотно «Московский дворик» относят к «своеобразной лирико-философской трилогии художника».
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 64.5 × 80.1 см.
№ 17
Картина русского художника Василия Владимировича Пукирева «Неравный брак».
Работа была написана в 1862 году.
Своей общей идеей, сильной экспрессией, необычайным для бытового сюжета размером и мастерским исполнением картина сразу выдвинула художника на одно из самых видных мест в среде русских живописцев. За неё Академия наградила его званием профессора.
В середине XIX века вопрос бесправного положения женщины, девушки-бесприданницы, выдаваемой замуж против её воли, стал для России болезненным. Значительное число браков в то время строилось на основе выгоды и материальной заинтересованности. В 1854 году на сцене Малого театра была поставлена пьеса А. Н. Островского «Бедность не порок», а в феврале 1861 года вышел Указ Святейшего Синода, осуждающий браки с большой разницей в возрасте.
На полотне изображен момент церковного венчания, которое предстает обыденным явлением, притом что бракосочетание старости и молодости противоестественно. В отличие от других бытовых картин той поры, «Неравный брак» имел необычайно крупный формат: фигуры даны почти в размер натуры, а композиция выстроена таким образом, чтобы усилить впечатление жизненной достоверности изображенного. Более того, зритель чувствовал себя соучастником происходящего, то есть стоящим здесь же в храме. Персонажи расположены вплотную у края полотна, их немного, и им тесно в пространстве рамы.
Невеста, бледная как смерть, обескровлена собственной драмой, а самодовольный старик-генерал, умело скрывающий волнение, наблюдает за поведением невесты, быть может, опасаясь непредвиденного. Впоследствии Репин писал, что эта работа «испортила много крови не одному старому генералу.
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Размер картины 173 × 136,5 см.
№ 18
Картина русского художника Ильи Ефимовича Репина «Запорожцы».
Огромное панно было начато в 1880 и закончено в 1891 году. Этюды к картине художник писал в кубанской станице Пашковской, Екатеринодаре, в поместье Качановка Черниговской губернии и в Кубанской области.
На картине изображена группа казаков, которые сочиняют письмо турецкому султану. Писарь выводит на белом листе издевательское послание.
Картина находится в Русском музее в Санкт-Петербурге.
Размер картины 173 × 136,5 см.
№ 19
Пейзаж русского художника Алексея Кондратьевича Саврасова «Грачи прилетели».
Это полотно считается самым известным произведением Саврасова, а его появление рассматривается как «важный этап в развитии русской пейзажной живописи».
На первый взгляд, всё в картине чрезвычайно просто и скромно, до крайности знакомо русскому человеку: косогор с березками, грачиные гнезда и деревенька с храмом. Несмотря на безусловную камерность и даже интимность лирического пейзажа, зритель одновременно ощущает необъятность бескрайних просторов России. Сквозь паутину березовых ветвей до самого горизонта виднеются поля, на которых лежит подтаявший снег. Сдержанный, спокойный в своей общей тональности колорит отличается особой деликатностью, мягкостью, богатством оттенков. Пропорционально точно взятая цветовая гамма теплых желто-коричневых и холодных серо-голубых тонов с едва заметными тонкими лессировками и светотеневыми переходами создает ощущение скрытого движения в картине. Прозрачный сырой воздух, наполненный серебристо-серым сиянием, мокрый с проталинами снег, разлившиеся лужи, в которых отражается небо, непросохшая земля вдалеке, легкие тающие облака – все эти приметы наступающей весны служат фоном для главных персонажей картины – хлопочущих, вьющих гнезда грачей.
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее.
Размер картины 62 × 48.5 см.
№ 20
Картина русского живописца Валентина Александровича Серова «Девочка с персиками».
Картина написана в 1887 году.
Картина была написана в усадьбе Саввы Мамонтова Абрамцево, которую тот приобрёл у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 году. На портрете изображена 11-летняя дочь хозяина усадьбы Вера. Девочка нарисована сидящей за столом; на ней розовая блузка с тёмно-синим бантом; на столе нож, листья и 4 персика. На картине изображена столовая дома Мамонтовых в усадьбе Абрамцево. В 1871 году Мамонтовы купили персиковые деревья в имениях Артёмово и Жилкино, и эти деревья были посажены в оранжерее Мамонтовых. За деревьями ухаживал специально нанятый садовник из Артёмова. Изображённый за правым плечом девочки деревянный гренадер был куплен Мамонтовыми в Троице-Сергиевой лавре в 1884 году, фигурку раскрасил сам Серов.
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее.
Размер картины 91 × 85 см.
№ 21
Картина Василия Ивановича Сурикова «Боярыня Морозова».
Картина написана в 1884-1887 гг.
Боярыня Морозова приняла постриг по старому обряду и не явилась по этой причине на новую свадьбу царя, чем привела его в большое раздражение. Царь отправил к ней послов, которые ей это на вид поставили. Но боярыня сказала, что не понимает - какие к ней претензии? Она болела! Однако на этом она не замолчала, и добавила, что ежели царь собирается заставить ее с ее веры свернуть - она ему не покорится.
На картине Сурикова изображено реальное событие произошедшее 17 или 18 ноября 1671 года, когда по приказу царя после допроса Морозову ― лидера раскольнического движения и, заодно почитаемую как святую у староверов, везут через московский кремль в цепях и обычной бедной повозке – в заточение на Печерское подворье, и тут случилась сцена, которую изобразил на картине Суриков ― боярыня проезжая мимо царских палат подняла руку с двумя пальцами и показала их царю (на тот случай, если, как она думала, он смотрел на эту сцену в окно).
Суриков вспоминал, что ключ к образу главной героини дала увиденная однажды ворона с чёрным крылом, которая билась о снег. Образ боярыни срисован со старообрядки, которую художник встретил у Рогожского кладбища. Портретный этюд был написан всего за два часа. До этого художник долго не мог найти подходящее лицо — бескровное, фанатичное[1], соответствующее знаменитому описанию Аввакума: «Персты рук твоих тонкостны, очи твои молниеносны, и кидаешься ты на врагов аки лев». Юродивый срисован с московского бедняка, который торговал огурцами, сидя на снегу. Всего сохранилось более сотни подготовительных этюдов к картине, в основном портретных. Долгое время Суриков не мог найти типажа для боярыни. Прототипом Морозовой стала тётка Сурикова — Авдотья Васильевна Торгошина.
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее.
Размер картины 304 × 587,5 см.
№ 22
Картина русского художника Василия Андреевича Тропинина «Кружевница».
Картина написана в 1823 году.
Тропинин, происходивший из семьи крепостных крестьян графа Миниха, в 1823 году в возрасте 47 лет получил вольную. В сентябре того же года он представил Совету Петербургской Академии Художеств картины «Кружевница», «Нищий старик» и «Портрет художника Е. О. Скотникова» для соискания звания художника.
Василий Андреевич Тропинин создал новый тип жанрового портрета, где важнейшую роль играют дух интимности, домашнего быта и радости повседневной жизни. Образ девушки, на мгновение оторвавшейся от своего занятия и взглянувшей на зрителя, наводит на мысль, что ей труд ничуть не в тяжесть, что это всего лишь игра.
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее.
Размер картины 74,7 × 59,3 см.
№ 23
Картина русского художника Павла домашнего Федотова «Сватовство майора».
Картина написана в 1848 году.
Действие происходит в гостиной купеческого дома. Жених – немолодой офицер прибыл для знакомства с невестой и ее родней. Ожидая приема, он всем видом демонстрирует уверенность в своей значимости и ценности в качестве будущего мужа. Беспокойная сваха сообщает о появлении жениха. Известие вызвало переполох среди домочадцев. Папаша-купец торопливо застегивает сюртук, чтобы встретить гостя в подобающем виде. Охваченная смущением невеста стремится покинуть комнату, но мудрая маменька не дает ей этого сделать. Свидетелями суматохи становятся кухарка, накрывающая на стол, сиделец, принесший вино из лавки, да старуха-приживалка, оказавшаяся «не в курсе происходящего». Немалую роль в картине играют детали, дополняющие рассказ художника. Обстановка в комнате добротная, но простая, как во многих купеческих домах. Хрустальные люстра и подсвечники демонстрируют достаток хозяев. Для встречи потенциального зятя дамы облачились в платья европейского покроя, но их пышные наряды кажутся неуместными в этой обстановке и выдают незнание дворянского этикета, так же, как и сервировка обеденного стола. Всё это художник продумал до мельчайших подробностей, чтобы точнее воспроизвести человеческие типы и социальные явления, которые он иронично обличал в своих картинах. «Сватовство майора» намекало не только на бедность николаевских офицеров, но и на неуклюжие попытки купечества примкнуть к дворянскому сословию. Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее.
Размер картины 58.3 × 75.4 см.
Вариант-повторение картины «Сватовство майора», над которым художник работал в 1850—1852 годах, хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге (холст, масло, 56 × 76 см).
№ 24
Картина русских живописцев Ивана Ивановича Шишкина и Константина Аполлоновича Савицкого «Утро в сосновом лесу».
Картина написана в 1889 году.
Когда Шишкин работал над картиной, его целью было показать глубину и мощь русского леса. И первой его идеей было добавить в этот лес в качестве маленьких героев - зайцев. Но эти милые и нежные животные вряд ли помогли бы автору реализовать намеченную цель - передать мощь и силу. Поэтому на ландшафте было решено изобразить медведей как символ богатырской русской души, ведь медведь - главный лесной царь. Шишкин всю свою жизнь изображал природу, и его несколько беспокоило, что медведи на картине получались не такими, какими он желал их видеть.
Именно поэтому на помощь художнику пришел его коллега и специалист по изображению животных ― русский жанровый живописец Константин Савицкий. Первоначально на холсте был изображен только волшебный утренний лес, а медвежата были написаны позднее Савицким. Любопытно, что первоначально картина имела другое название — «Медвежье семейство в лесу».
Когда картина стала известна, и Третьяков приобрел ее, художник Савицкий даже не попросил плату за соавторство. Картина была первоначально подписана двумя авторами. Однако после того, как картина была передана в галерею, Третьяков посчитал работу Шишкина более обширной и стер имя второго художника. Кроме того, Третьяков уточнил: картину заказывал у Шишкина, значит и оплата и авторство будут принадлежать Шишкину. Именно так он стал единственным автором произведения.
Картина хранится в Государственной Третьяковской галерее.
Размер картины 139 × 213 см.
галереи на Лаврушинском переулке, 10. Техника исполнения произведения - масляная живопись на холсте, размер полотна - 139 × 219 см.

Свято-Введенский островной монастырь г. Покров

Зальцкаммергут — историческая область в Австрии к востоку от Зальцбурга, богатая своими озёрами

Дворец Бленхейм (также Блейнхаймский дворец) — родовое имение герцогов Мальборо, один из крупнейших дворцово-парковых ансамблей Англии. Расположен на окраине Вудстока в графстве Оксфордшир. С 1987 года — памятник Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Мост Свободы в Будапеште
Автодорожный металлический консольно-балочный мост через реку Дунай в Будапеште, соединяет площадь Сент-Геллерт с площадью Фёвам. Третий постоянный мост через Дунай в Будапеште.

Духи Musk Kashmir

Замок Эйлен-Донан. Шотландский замок, который расположен на небольшом скалистом приливном острове Донан, лежащем во фьорде Лох-Дуйх, в Шотландии. Один из самых романтичных замков Шотландии, он славится своим вересковым мёдом и интересной историей.

Швейцария. Люцерн - очень красиво

Антонио Джакомин - один из самых известных бразильских художников. Является потомком иммигрантов из Италии. Антонио часто участвует в международных выставках, а его творческая деятельности в акварели началась еще в 80-е годы

Замечательно. Художник Франсуа Буше

Очень красивая хризантема

Художник Сергей Сочивко "Прогулка по старому Омску".
Сергей Сочивко не является классическим живописцем в том понимании, которое существовало раньше. Он не пишет этюды с натуры, иногда ему достаточно просто выглянуть в окно. Он видит, запоминает этот мир и показывает в своих картинах. Нет, на его картинах Вы не увидите серости и прозы жизни. Он уходит в мир своей сказки и приглашает в него своего зрителя. Он предлагает нам поверить в себя, для того, чтобы жить дальше. Художник считает, что стоит вернуться к своим корням, посмотреть на тот город и мир, в котором ты живешь, немного другими глазами.
Художник не пишет картины, а их сочиняет, открывает удивительный и позитивный живописный мир.
Сначала вам покажется что вы попали в мир чьих-то снов. Или в сказку. Порой будет казаться, что Вы рассматриваете русскую лаковую миниатюру.

На картине Венеция. Картина "Мечтатель" Мещерякова Павла Александровича, Российского художника из Пензы